PROGRAMA 22 de octubre de 2010

En más cine, por favor vamos a comenzar por comentar la producción española Buried, Enterrado, que se estrenó en España el pasado 1 de octubre nos narra la asfixiante historia de Paul Conroy, interpretado por Ryan Reynolds, es un padre de familia y contratista civil americano en Irak. Este hombre es secuestrado y despierta enterrado vivo en un viejo ataúd de madera, teniendo en su poder únicamente un teléfono móvil y un mechero. El teléfono es el único medio para tratar de escapar de su agónica pesadilla. La cobertura precaria y la escasa batería son sus mortales enemigos en una carrera a vida o muerte contra el tiempo: sólo dispone de 90 minutos para lograr su rescate antes de que se le agote el oxígeno... Aclamado y esperado film español de suspense presentado en el Sundance de este año 2010.

Se podrían decir muchas cosas de esta película pero es que realmente es una obra de culto. Lo que se puede hacer con un buen guión y una cámara. Una película, sin ningún tipo de ambición, que te mantiene pegado a la butaca hasta el último instante de cinta.

Buried, da una lección. Se le han aplicado calificativos como estilo Stephen King o Hitchcok, pero es que no es sólo una película de suspense. En cuanto a la técnica es claramente la iluminación la que marca el ritmo.

Pero en cuanto al guión, es una autentica maravilla: en 95 minutos vividos a tiempo real, descubrimos los pensamientos de un hombre, sus inquietudes, sus esperanzas, su familia.

Su guionista, Chris Sparling, es capaz de transmitir con un hombre y un teléfono móvil, los valores de la sociedad americana, la crítica social a los seguros y a las empresas estadounidenses, la importancia de la Diplomacia.

Ni un solo segundo, de toda la cinta hacen a l espectador dejar de sentir la angustia. Anguztia que permanece hasta el último instante de la película.

Se tocan muchos temas en esta película, desde el punto de vista americano y desde el iraquí, pero sobre todo de la esencia del ser humano. Es, en sí misma, una reflexión filosófica y una lección psicológica que probablemente marque un hito en la Historia del Cine Español

Su director, Rodrigo Cortés, puede estar muy orgulloso, no en vano Buried ha recibido ya numerosos galardones…

Decíamos, al principio de este otoño, que desde Deviernesaviernes queríamos apostar por el cine español. Esperamos que nos siga dando motivos…

En la sección Banda Sonora Original. A punto ya de concluir con el alfabeto ,llegamos a la W.

Y vamos a hacer memoria hoy comentaremos el Drama romántico y, por excelencia, musical: West Side Story

La película nos cuenta como en el West Side de Nueva York se disputan la hegemonía dos bandas de jóvenes: los sharks, todos ellos procedentes de Puerto Rico, y los jets, de ascendencia anglosajona. Estos últimos están comandados por Riff, una vez que Tony abandonó la pandilla para llevar una vida normal y poder trabajar. Por otra parte, Bernardo, que es el jefe de los puertorriqueños, convive con su hermana, María, recién llegada de la isla. Una noche, en un baile, coinciden los dos grupos y están a punto de provocar una violenta pelea.

Amor sin barreras o West Side Story es uno de los musicales más famosos del cine. Está basado en la obra de teatro Romeo y Julieta de Shakespeare. Con música compuesta por Leonard Bernstein, la versión cinematográfica ganó diez Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor de reparto (George Chakiris), a la mejor actriz de reparto (Rita Moreno), a la mejor dirección artística, a la mejor música, a la mejor fotografía, al mejor sonido, al mejor vestuario, y al mejor montaje, y fue nominada al mejor guión adaptado.

El álbum de la banda sonora quedó 54 semanas en el #1 del Billboard Pop Albums, obteniendo el más largo plazo en el número 1 de cualquier álbum de la historia, aunque algunas lista acrediten este record a "Thriller" de Michael Jackson. En 1961, ganó un Grammy como "Best Sound Track Album – Original Cast".
En los Estados Unidos fue el álbum más vendido en la década de los 60.


Entre las canciones que la componen destacan:

01 - Overture
02 - Prologue
03 - Jet Song
04 - Something's Coming
05 - Dance At The Gym
06 - Maria
07 - America
08 - Tonight
09 - Gee, Officer Krupke
10 - Intermission Music
11 - I Feel Pretty
12 - One Hand, One Heart
13 - Quintet
14 - The Rumble
15 - Somewhere
16 - Cool
17 - A Boy Like That - I Have A Love
18 - Finale
19 - End Credits

Escuchamos ya … America

Precisamente con cine español comienza mañana la Seminci con la proyección de “También la lluvia” de Itziar bollain, protagonizada por Luis Tosar.

Arranca esta edición con la entrega de la Espiga de Honor a Antonio Banderas (Ver 20 min)

Hacemos un poco de historia de la Seminci y de su galardón:

La espiga es el trofeo por el que compiten las cintas que participan en la Sección Oficial, dotado con un premio de 50.000 € para los largometrajes y 10.000 € para los cortometrajes. Un premio ya clásico que han recibido algunos de los más importantes realizadores de las últimas décadas, cuya entrega tiene lugar en la gala de clausura que se celebra en el Teatro Calderón.

De oro o de plata, la Espiga de Oro se erige como principal galardón de la Seminci tras la desaparición del antiguo Lábaro y, antes aún, del originario Dom Bosco.

Cuando en 1956 dio comienzo la Seminci, conocida entonces como Semana de Cine Religioso, el festival no se concibió como una competición, por lo que en esa primera edición y la siguiente no se otorgó ningún premio.

No fue hasta la tercera edición del festival, en 1958, cuando apareció el 'Dom Bosco', de oro para la película ganadora y de plata para la finalista, junto al reconocimiento de 'Mención Especial'.

Su existencia, sin embargo, fue muy corta. Un año después, el Don Bosco dio paso al Lábaro y el premio de 'Mención Especial' desapareció y fue sustituido por el 'Premio Ciudad de Valladolid'. En su primer año de vida, el Lábaro de Oro recaería en The Prisoner, de Peter Glenville, en la categoría de largometrajes, y en Die Weltenuhr, producción de la Alemania federal, en la de cortometrajes.

Tan sólo un año después, en 1960, un nuevo galardón tomaba forma. Surgía así la Espiga, que años después se convertiría en el principal reconocimiento del festival pero que, hasta entonces, compartiría papel con el Lábaro, el 'Premio Ciudad de Valladolid' y las 'Menciones Especiales'. A lo largo de las siguientes ediciones el festival mantuvo estos premios, a los que se unió, en 1961, el Premio San Gregorio.

En 1974, en la decimonovena edición del festival, desaparece finalmente el Lábaro. A partir de este momento, la Espiga pasa a convertirse en el galardón principal del certamen.

Hubo que esperar a 1979 para ver los primeros galardones de Mejor Actriz (Jirina Sejbalová, por 'Solo pro starcu damu') y Mejor Actor (Stanislav Liubchin, por 'Piat vetcherov'). Cinco años después, durante la vigesimonovena edición del festival, Piotr Todorovski obtiene el premio al Mejor Guión, por su trabajo en 'Voienno-polevoi Roman'.

Al año siguiente, 'Mrs. Soffel', de Gilliam Armstrong, se convierte en el primer film en obtener el “Premio François Truffaut”.

La historia del festival avanzaría pareja a la aparición de nuevos premios, como el de Mejor Primera Película, en 1989, el Premio del Jurado, en 1991 y el Premio al Mejor Nuevo Director, en 1992. Esta constante sigue viva hoy día, con el nacimiento de un nuevo galardón: el 'Premio a la Diversidad Cultural'.
Desde Deviernesaviernes y en General desde Onda Expansiva intentaremos dar cobertura a todos los aspectos de este Festival.

En concreto, habrá un especial diario de media hora dediocado a la Seminci que realizará nuestra compañera Natalia carlón todos los días de 3 a 3 y media de la tarde.
Jesús Cea ha estado, esta misma mañana con David Ríos, Coordinador del jurado Joven de la Seminci y esto es lo que nos ha contado. Los escuchamos…

El Jurado Joven esta patrocinado por el Consejo Local de la Juventud de Valladolid. Para participar como jurado joven se abre una convocatoria en la que el interesado debe enviar un curriculum con sus conocimientos o formación cinematográfica, y escribir una carta contando la motivación por la que quiere ser jurado. Es obligado que tenga total disponibilidad.

El jurado Joven lo forman 10 personas en 2 secciones: 5 en la oficial y 5 en el punto de encuentro. De entre estos 10 miembros hay 4 cooordinadores, 2 en cada sección. Su misión es evitar y /o solventar conflictos y problemas.

PROGRAMA 15 de octubre de 2010

Hoy en más cine por favor, vamos a comentar una película española, basada en la historia de un excelente rufián y dibujante.

Hablamos de “El Gran Vázquez”, protagonizada, como no podía ser de otra forma, por Santiago Segura.

El gran Vázquez narra parte de la vida de uno de los grandes dibujantes españoles de tebeo, Manuel Vázquez Gallego que nació en Madrid, 1930-Barcelona, 1995, creador de personajes tan conocidos como Las hermanas Gilda, Anacleto, agente secreto o La familia Cebolleta (cuyo abuelo ha pasado al imaginario popular gracias a sus célebres batallitas).

Para quienes no tengan referencias previas del protagonista ni de la historia de la editorial Bruguera, diremos que El gran Vázquez es la biografía de un pícaro contemporáneo, de un moroso que compra todo a plazos y después no paga ni uno, de un mentiroso compulsivo que engaña a todo el que se le ponga por delante cuantas veces haga falta, de un mujeriego que comete poligamia como la cosa más natural del mundo.

Naturalmente, esta forma de vida ácrata le llevará a situaciones más que comprometidas, sobre todo cuando el ‘orden establecido’, encarnado en el gris contable Peláez interpretado por un esoléndido Alex Angulo, decida meterlo en vereda.

Resulta especialmente atractiva la forma en que irrumpen en la “vida real” de la película elementos propios del tebeo (ese guardia urbano, esas persecuciones callejeras, esa reproducción de la buhardilla de 13 Rúe del Percebe, gatos incluidos…), dando lugar a una encantadora mezcla de cine y cómic.

Otro acierto en la misma línea es la leve caricaturización de los personajes, en cuya interpretación destacan un Manolo Solo al que casi cuesta trabajo distinguir del auténtico Francisco Ibáñez y un Enrique Villén del que el propio Ibáñez ha dicho que es “clavado” a Rafael González, el adusto jefe de la editorial.

En cuanto a Santiago Segura, el papel le viene que ni pintado.

Deja a un lado sus últimas interpretaciones demasiado sobreactuadas de otras películas y, en nuestra opinión resuelve muy bien tanto las situaciones cómicas como las dramáticas.

Nos quedamos con una de las frases del protagonista, que, al final llega a dar una mezcla de pena y bondad.

El gran Vazquez es un regalo para quienes crecimos leyendo tebeos de Bruguera.
La película reparte cariño a espuertas hacia todos los personajes que la habitan y se esfuerza en no dejar de lado al espectador ocasional, aquel que de tebeos no sabe nada. Ambas cosas son difíciles de gestionar, y más cuando estamos ante un biopic, el primer biopic sobre un historietista patrio. De todas formas, tampoco es un biopic al uso, no es tanto una biografía de Vazquez sino de su leyenda, la que se labró el mismo protagonista y que, como dice Óscar Aibar estos días, ha sido transmitida oralmente por los allegados al mundo del tebeo.

La voluntad de El gran Vazquez de ser atractiva para un publico ajeno acaba curiosamente beneficiando a la película (con algún pero a la secuencia final, y que aún así funciona) porque la dota de capas de sutilidad, y eso siempre es elegante. La sutilidad, insisto, resulta clave: es sutil en la manera de enfocar a Ibañez como reverso tenebroso de Vázquez, es sutil cuando plantea el pasado político de Rafael González y de los dibujantes de Bruguera, es sutil en la reivindicación de los derechos de autor e incluso cuando muestra las muchas luces y sombras de un personaje como Vázquez, quizá el último pícaro.

Hay un enorme esfuerzo en recrear el habitat editorial de Bruguera, que viendo viejas fotos resulta físicamente idéntico. Comentaba Oscar Aibar que tuvo que negociar bastante con los productores el gasto que eso suponía, pero le resultaba indispensable: esos detalles de autenticidad hacen el filme creíble. También sortea bien los riesgos que conllevaba el protagonismo de Santiago Segura. Afortunadamente no torrentiza a Vázquez e incluso, pese a que es un actor de recursos limitados, se defiende bien en los momentos dramáticos. Curiosamente el filme crece cuando todo eso aflora. No hay que olvidar que Segura también viene del mundo del cómic (las Pequeñas viciosas de El Víbora).

En la sección BSO, llegamos hoy a la V y, como siempre, nos ha costado mucho decidirnos, pero al final hemos llegado a V de Vendetta
Dirigida por James McTeigue, V de Vendetta está ambientada en un futuro próximo: Inglaterra se ha convertido en un estado totalitario y fascista. La película narra la historia de Evey, una joven de la clase trabajadora que es rescatada de una situación de vida o muerte por un misterioso enmascarado conocido como "V".

V es un hombre sumamente complejo, instruido, extravagante, tierno e intelectual, que dedica su vida a liberar a los ciudadanos de las garras de aquellos que les someten mediante el terror. Pero al mismo tiempo es amargo, solitario y violento, y está obsesionado por la venganza personal.

En su busca por libertar al pueblo de Inglaterra de la corrupción y la crueldad con que su gobierno la ha envenenado, V condenará el carácter tiránico de sus dirigentes e invitará a los ciudadanos a unirse a él en las tinieblas del Parlamento el 5 de noviembre: el día de Guy Fawkes.

Un día como ése del año 1605 Guy Fawkes fue descubierto en un túnel bajo el Parlamento con 36 barriles de pólvora. En compañía de otros conspiradores había planificado lo que más tarde se conocería como "la conspiración de la pólvora" en reacción a la tiranía del gobierno de Jacobo I. Fawkes y el resto de saboteadores fueron ahorcados, destripados y descuartizados, y su plan para derrocar el gobierno jamás llegó a perpetrarse.

Retomando el espíritu de esa rebelión y como conmemoración de aquel día, V promete consumar la conspiración fallida del 5 de noviembre de 1605 por la que Fawkes fue ejecutado: detonar el Parlamento.

Cuando Evey descubre la verdad acerca del misterioso pasado de V, también descubre su propia verdad, y se convierte en su leal aliada para ejecutar en plan que pretende encender la llama de una revolución, devolver la libertad y la justicia a una sociedad asfixiada por la crueldad y la corrupción.

El reparto encabezado por NATALIE PORTMAN en V de Vendetta, con HUGO WEAVING, STEPHEN REA y JOHN HURT. Dirigida por JAMES McTEIGUE, la película ha sido producida por JOEL SILVER, LOS HERMANOS WACHOWSKI y GRANT HILL a partir del guión de LOS HERMANOS WACHOWSKI basado en los personajes de las revistas publicadas por VERTIGO. El productor ejecutivo es BENJAMIN WAISBREN. El director de fotografía es ADRIAN BIDDLE, B.S.C.; el diseñador de producción es OWEN PATERSON; el editor, MARTIN WALSH, A.C.E. y la música está compuesta por DARIO MARIANELLI.

PROGRAMA 8 de octubre de 2010

Hoy en más cine por favor, hablamos del último largometraje de Woody Allen:

Conocerás al hombre de tus sueños.

La película, que fue estrenada este verano en la villa Asturiana de Avilés nos cuenta en paralelo las historias de dos matrimonios, Alfie interpretado por Anthony Hopkins y Helena, por Gemma Jones, y su hija Rally, por la actriz Naomi Watts que en la ficción está casada con Josh Brolincon, que da vida a Roy.

Como casi siempre, Allen, nos hace llegar las pasiones, ambiciones y angustias de los cuatro protagonistas.
El guión cuenta una serie de historias entrelazadas con muchos detalles humorísticos en medio de dramas personales que demuestra, una vez más, la habilidad del genio neoyorkino para hacer buenos guiones.

Según algunos críticos: en algún momento podría haber explotado más alguna de las distintas tramas para hacer una historia más completa y redonda, y dejar las demás para otra u otras películas.

Estos mismos son los que opinan que en lugar de seguir rodando una película nueva cada año, madurar y redondear más sus guiones y sus películas, a Allen le falta hambre creativa para pulir más sus historias y llegar con más frecuencia a la maestría de películas como "Match Point" o "Misterioso asesinato en Manhattan".

El reparto ya es excepcional solo al ver sus nombres en el cartel, pero en la película todos están a gran altura. Naomi Watts, esa excelente actriz que descubrimos con Mullholland Drive de David Lynch, aquí interpreta a Sally, probablemente el personaje que más consiguió atraerme y engancharme a la historia, tanto como hija como de asistente del galerista interpretado por Antonio Banderas.

Su marido en la ficción, Roy (Josh Brolin), es otro personaje interesante y genialmente interpretado. Se trata de un escritor que no consigue repetir el éxito de su primera novela y que un día se queda prendado de su vecina, interpretada por Freida Pinto, la de Slumdog Millionaire. También me gustó mucho la interpretación de Gemma Jones (que conocíamos como madre de Bridget Jones y como madam Pomfrey en las de Harry Potter) como Helena, en una actuación dificil que podría haber resultado ridícula en otra actriz menos cualificada.

Por último, Anthony Hopkins está genial en su crisis existencial, dando un punto de vista personal y diferente al personaje que podría haber interpretado Allen.

La nueva y joven pareja que encuentra, interpretada por Lucy Punch, recuerda a Mira Sorvino en Poderosa Afrodita.

Como es habitual, la elección musical de Allen es muy buena y encaja perfectamente en el film.

Si a esto le sumamos que visualmente, el director sigue mejorando con los años, tenemos que concluir que la película vale la pena.

Y como el mismo dice en la película, no nos ha contado nada pero al menos nos ha entretenido el tiempo que hemos estado sentados en la butaca.

Probablemente no sea una de sus mejores películas, pero indudablemente, la experiencia es un grado y probablemente una película del montón de este genio es bastante superior a la media que nos encontramos habitualmente en la cartelera.

En definitiva, yo espero que Woody Allen nos siga deleitando cada año con un nuevo estreno y no le pido que sean obras maestras sino obras de Allen.

UNO DE LOS NUESTROS

Hay un plano secuencia en Uno de los Nuestros, en el que Henry lleva a Karen a un club en el que hay una cola larguísima, que siempre me ha parecido absolutamente genial no ya por su sublime acabado técnico sino por que simboliza a la perfección lo que es la mafia: un listillo que se cuela tranquilamente por la parte de atrás, sin tener que hacer cola como los demás, y que se acomoda en un sitio perfecto para disfrutar del espectáculo. Eso es la mafia, de eso va The Goodfellas.

Durante los últimos treinta años si tenemos que recordar nombres ilustres uno que sonará con fuerza, entre muchos otros, será el del gran Martin Scorsese.

Para muchos, entre los que me incluyo, uno de los mejores directores de la Historia del Cine, un genio, un contador nato de historias poseedor de un dominio apabullante de la técnica y del aspecto visual, y, aunque sus películas más afamadas versen sobre el crimen organizado, ha demostrado que es un espíritu versátil y libre que puede firmar desde un exquisito y comedido drama de época (La edad de la inocencia), hasta un arrebatador relato sobre la vida de Jesucristo (La Última tentación de Cristo), pasando por una enloquecida y sofisticada comedia (After Hours) o un brutal drama humano sobre la autodestrucción y la fama (Toro Salvaje) o la probablemente mejor visión sobre la inadaptación y la soledad que se haya plasmado nunca en una pantalla (Taxi Driver) o un visceral relato sobre los orígenes de NY (Gangs of NY). En pocas palabras, un hombre cuya genialidad no conoce de géneros. Pero han sido los relatos gangsteriles los que más ha cultivado y el mejor exponente de ello es Uno de los Nuestros.

La crueldad, la violencia, el brío y una inagotable fuerza se dan la mano y el resultado es la disección más brutal del día a día de la mafia. Uno de los Nuestros nace de la desactivación de la moralidad estándar y se lanza en picado por un mundo tremendamente amoral, sin valores, aquí no hay buenos, no existe un solo ápice de idealización, solo vamos a ver un desfile de gente con un modo de vida absolutamente deleznable y que vive perfectamente con ello. He ahí donde entra la tremenda naturalidad con la que se aceptan los asesinatos más cruentos que uno se puede imaginar.

La total ausencia de la moral es un pilar básico sobre el que se construye la película y el modo de vida de sus protagonistas y de ahí que Scorsese lleve a cabo un uso tan realista y potente de la violencia y del lenguaje sucio, con momentos realmente salvajes, como la larga secuencia con Layla de fondo o la escena de Billy Batts, momentos que sentarían cátedra a la hora de volver a usar la violencia en el cine.

Nicholas Pileggi firma el guión junto con Scorsese, un texto minucioso que explora con precisión de cirujano la cotidianeidad de la mafia, la voz en off desmenuza absolutamente todo, los pensamientos, los códigos internos, la manera en la que viven como auténticos reyes en la cárcel, como mueven la droga, sus queridas, todo en ello queda bien servido y masticado para lo que es probablemente lo mejor de la película: la dirección de Scorsese.

El bueno de Martin siempre ha sabido poner su dirección al servicio de la trama, ya sea un ejercicio de sencillez y clasicismo o un virtuoso ejercicio de estilo. En este caso es lo segundo y resultado es una de las direcciones más impresionantes que recuerda el cine moderno. Hay tres cosas en las que Scorsese siempre ha sido un auténtico genio: cómo rodar la violencia, como poner música a una escena y cómo sacarle el jugo a una voz en off.

Pero claro cuando estas tres cosas convergen en una misma secuencia el momento pletórico cinematográfico está asegurado.

El visceral movimiento de cámara enfatiza aún más el brío y la fuerza de la cinta, apoyado en el siempre soberbio montaje de Thelma Schoonmaker, y los momentos de puro virtuosismo son realmente impresionantes :

El plano secuencia al entrar al club, la escena en el jurado enfocando a Jimmy o la brutal y horrenda exhuberancia de los momentos violentos.

Éstos últimos son potenciados por Scorsese con el magistral uso de la música, es decir, un genio que mete un tema tan suave y melódico como el Atlantis de Donovan en una escena descarnadamente salvaje o el Layla de Clapton mientras nos encontramos un reguero de cadáveres.

Por último el reparto. De Niro parió uno de sus últimos grandes trabajos, Jimmy Conway rezuma el carisma y la fuerza de uno de los grandes mafiosos de la Historia, una creación magistral. Pesci por su parte ha demostrado ser un actor muy poco versátil y limitado, eso sí, en su registro, es decir, el de asesino psicópata puede ser absolutamente creíble y genial y el retrato que hace de Tommy se queda incrustado en la memoria durante mucho tiempo.

Ray Liotta ha demostrado con el tiempo que no ha sabido escoger los papeles. Una lástima, siempre se le recordará como el atribulado y progresivamente desquiciado Henry, el papel más destacable que ha hecho y probablemente hará nunca. Un puñado de secundarios más que aceptables completan el magnífico reparto.

Una obra maestra sin paliativos, una de las mejores obras de las últimas tres décadas y una de las cumbres del grandísimo Martin Scorsese.

Recuerdo la primera vez que vi las películas de Martin Scorsese, sobre todo Uno de los Nuestros, Casino, Malas Calles y siempre llegué a la misma conclusión: aparte de la calidad cinematográfica de la cinta, hay otro aspecto que destaca, la música. No se trata de música hecha expresamente para la película, sino de grandes éxitos conocidos por todos que dan forma y absorben al espectador durante toda la película.

Temas

• 1. Rags to Riches - Tony Bennett
• 2. Sincerely - The Moonglows
• 3. Speedoo - The Cadillacs
• 4. Stardust - Billy Ward
• 5. Look in My Eyes - The Chantels
• 6. Life Is But a Dream - The Harptones
• 7. Remember (Walking in the Sand) - The Shangri-Las
• 8. Baby I Love You - Aretha Franklin
• 9. Beyond the Sea - Bobby Darin
• 10. Sunshine of Your Love - Cream
• 11. Mannish Boy - Muddy Waters
• 12. Layla [Piano Exit] - Derek and the Dominos

MARATON EXPANSIVO IV

Cuarta parte del Maratón expansivo en la que "De viernes a viernes" ocupa la primera media hora del maraton y cerrando este evento "La hora del quemadillo".
De viernes a viernes presentó su nuevo formato con un cambio en el equipo del programa,la ampliación del horario de emisión,más secciones y nuevos colaboradores para los proximos programas.

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